摄影与绘画，摄影如何借鉴绘画

在一个善于学习的摄影师眼里，随处都是学问。
我一直都喜欢欣赏绘画，但只有在成为一名摄影师之后，我才真正发现一个合适的方式把自己的爱好应用到工作中。
假设我们走进一家博物馆，在那些如雷贯耳的大师经典杰作之间徜徉。我们可以如何借鉴这些画作，让自己的摄影作品走上更高的台阶呢？今天我来谈一些自己的体会，并且附上我学习大师们后拍摄的一些照片，供大家参考。

1、发现独特之处
这幅画哪些方面吸引了你呢？是什么让它脱颖而出、与众不同的？这个画家的作品有哪些独特之处？是光线、色彩、构图还是笔触？
你自己在摄影创作中也会使用同样的技巧吗？你怎样做，才能让你的作品也展示自己独特的一面呢？


（左）梵高，星夜（1889），（右） 瓦西里·康定斯基，构图 VIII（1923）
2、留意光线的使用
进一步观察，画作中的光源是在画面中吗，还是画面以外？从哪个方向照射过来的？光质是软还是硬？这个光线有些什么特别之处吗？
画家让主体的什么部分被照亮？如果是多个主体，画家选择让谁被照亮呢？每名主体被照亮的程度有何差异？这种光线有没有暗示人物的性格特征呢？观察暗部细节，看看那里隐藏着什么。
回头来思考你自己的照片，你想讲述什么样的故事呢？从同一类主题的画作中，寻找灵感，或者练习模仿你喜欢的画家的用光。针对光线的专门学习，会让你大大提高观察光线的能力。

（左）伦勃朗，一位黑帽少女的画像（1632）

（左）米开朗基罗·梅里西·德·卡拉瓦乔，圣马太蒙召 (1599-1600)

（左） John Singer Sargen, Miss Eleanor Brooks (Mrs. Richard Middlecott Saltonstall), (1890)
3、探索色彩的使用
再回过头来看颜色。画作中什么颜色最吸引你？注意色彩的灰度、色相，注意黑色和白色。
这些色彩是明亮、强烈，还是清淡、柔和？画家怎样通过颜色来叙事或者传递情感？你有没有发现画面中有一个醒目的共同颜色主题？
在你自己的照片中，你有没有使用这些色彩呢？你喜欢强烈的对比还是比较淡的色调呢？这种偏好对你的后期有什么影响呢？

（左）庄·米罗，红点 (1925)

（左）Katsushika Hokisai, Gaifū Kaisei，南风（1830）。学习画家选择的色彩，并且使用于你自己的摄影和后期创作中。
4、观察主体和背景之间的分割
继续在画面上浏览，注意主体和背景之间是如何被分割开的。是较暗的背景上有较亮的人物，还是明亮的背景上有较暗的人物呢？这种分割十分明显吗，还是主体跟背景揉合在一起了？
在你的照片中，你能看到主体和背景之间通过明暗来获得清晰的分割吗？不妨试试将你的照片转成黑白，以帮助你评估自己照片中的分割效果。在实际拍照时，考虑你的主体的明暗度，同时留意背景。比如你在拍一辆白色的自行车，比较一条明亮的灰色小路和深绿色的篱笆墙，后者显然更适合做背景。不妨给自己布置一个作业，拍摄一些主体和背景清晰分割的照片，同时思考这种分割对照片有何作用。

（左）：威尔.巴聂特，与空间的对话 (1983)

（左）吉诺·塞维里尼，弹琴的人（1919）
5、研究画作中的几何学，例如画框、重复的形状等等
想想画家是如何把主体“框”在画面中的。他们使用了一些自然元素或者建筑画框吗？再仔细看看，有没有发现一些三角形、正方形、多边形或者圆形？这些形状有没有加强照片的感染力呢？
形状会让人获得快乐的感官体验。它们的存在，让人们的视线有了在画面中移动的理由，并且给画面以稳定感。在欣赏完一幅你喜欢的画作之后，再对照你自己的作品。你有没有重新发现以前被自己忽略的一些几何图案或者重复的形状呢？
这并不一定非要是类似窗户这样“直接”的形状。比如用两只手托着下巴，这样也会形成一个三角形。

（左）：约翰内斯·维米尔，地理学家（1668-1669）

注意到画中的“三角形”了吗，当然还有光源，颜色和暗部的作用。（左）约瑟夫·赖特，气泵里的鸟实验（1768）

同样有类似金字塔的形状和其它几何图形吸引我们的视线，让视线留在画面中。（左）埃舍尔, Cycle (1938)
如果你所在的城市有这样的博物馆或者画展，不妨带上孩子和家人，一起去欣赏这些不朽的经典。让孩子在很小的时候接受这样的熏陶，培养他们的眼力，同时也能帮助你未来的摄影创作中积累更多的灵感。何乐而不为呢？